电影空间造型制造悬念（构建电影幻境的最后一块）

观看一部电影，从某种程度上可以“延长”我们的生命。

在一个由电影主创构建的“幻境”里，我们带入自己的感受，用一两个小时，在光影之间和主角一起经历一段跌宕起伏或平淡温馨的人生。

第79届（2006-2007）最佳服装设计

电影也因此被称为“造梦”的艺术。

近年来随着工业基础和特效技术的提升，电影的题材也愈发天马行空、不受道具、场景等硬件设施制作水平的限制。

但是，从想法到文字，从剧本到镜头，从拍摄到后期制作。

再玄妙离奇的幻想终究要借着从业人员夜以继日的努力，才能一块块落地。

疯帽子设计手稿

除了台前的演员，和台后的导演、编剧，“造梦”团队里还有一个相当重要的伙伴——剧装设计师。

01 “剧装设计师”是一种什么样的职业？

剧装设计（Costume Design），全称为戏剧服装与化妆设计，它和“服装设计”其实是两个不同的行业。

剧装设计师的主要工作，是配合戏剧、舞台剧、歌剧、电影等各类表演艺术的内容，去设计服装，从服饰的细节到整体风格的定位，都必须与演出的内容高度相关。

末代皇帝 The Last Emperor第60届（1987）最佳服装设计

早在古希腊文明中出土的戏剧面具与剧本中，就能看到剧装设计师的影子。

这是1909年Bror Anders Wikstrom的剧装设计稿，为演员设计了“鱼人”的形象。

日本的“能剧”也对剧装设计高度依赖，需要靠面具、服饰、特效化妆等技术来完成年龄、时代、时空的变换。

所以，剧装设计是一个将导演的“想法”和作品的“设定”，通过自己的艺术审美，和大量的准备工作在现实中“精准呈现”的职业。

同类型的幕后工作者还有道具师、化妆师、特效制作团队等。

随着行业对表演的要求愈发深刻，随着剧本中的出场角色数量的不断增加，通过精心设计的服装来塑造鲜明的风格，帮助观众建立对角色的认知，就变得越来越重要了。

鬼才导演蒂姆·伯顿，他的作品有着鲜明的哥特风格，颇具“另类”美学的意味。

甚至衍生出了Burtonesque（波顿风）这个名词，用以描述他电影中独特的美学元素。

在他的经典作品《理发师陶德》、《剪刀手爱德华》、《爱丽丝梦游仙境》、《大鱼》、《黑影》、《决战猩球》、《火星人玩转地球》等一长串名单的背后，都有一个女人的名字。

她作为剧装设计师，帮助蒂姆伯顿打造了一整个颇具“黑暗童话”风格的电影系列。

她叫柯琳·阿特伍德。

改编自同名惊悚音乐剧的《理发师陶德》，蒂姆·伯顿在整部影片中大量采用了灰黑色调，以增强复仇的阴暗气息。

柯琳却为两位主要角色设计了条纹鲜明、颜色艳丽的衣服，增加了戏谑和讽刺的效果。

在2001年翻拍版的《决战猩球》中，她花了大量的时间做资料研究，为“猿人”设计合身并且实用的盔甲，在美观的同时，还要应对大量的战争镜头。

《剪刀手爱德华》是柯琳将蒂姆•伯顿的漫画人物，经过金属、铆钉、铁环、皮革和零件组成了约翰尼德普令人心碎的经典造型。

蒂姆•伯顿的漫画

可以说，没有柯琳这个剧装设计师，就没有蒂姆·伯顿的“暗黑童话宇宙”。

约翰尼德普也非常信任她，成为柯琳合作次数最多的演员。

《神奇动物在哪里》小雀斑的那件著名的孔雀蓝大衣↓

《艺伎回忆录》中巩俐饰演的“初桃”身上花纹繁复的和服↓

《黑暗阴影》中伊娃格林的亮片红裙，都出自柯琳之手。

如同点石成金一般，几乎所有好莱坞的明星，都想穿上她亲手做的衣服。

02 “剧装设计师”的自我修养

做剧装设计师，设计和裁剪衣服只是最基础的入门。

想做好这一行当，除了拥有绝妙的设计巧思，简直要成为“通才”。

首先要通晓戏剧和电影的基本术语、概念和历史，以便于和导演准确的沟通。

第66届（1993-1994）最佳服装设计

其次，对于灯光、舞台、甚至绿幕后期的细节也要了解，以此来筛选服装的材质、色泽和大小，才有可能设计出完美配合演出环境的服装。

第68届（1995-1996）最佳服装设计

剧装设计不只是衣服，从妆发、内装、外装到鞋履和饰品，对于奇幻风格的电影更要自己创造出符合“架空世界”设定的角色形象。

爱丽丝梦游仙境 服装设计

正因为这个行业对专业性和知识储备的严苛要求，顶级的剧装设计师一般都有自己特别擅长的某一领域，比如柯琳·阿特伍德擅长的就是“奇幻”题材。

03 奥斯卡金像奖——“最佳服装设计奖”

剧装设计如此重要，而剧装的成本在任何一类表演艺术的预算当中都占据了相当大的比例。

因此，在上个世纪好莱坞为了鼓励“剧装设计”这一行业，于1948年设立了奥斯卡金像“最佳服装设计奖”。

在1949年初，第21届学院奖颁奖典礼上将这个奖项首次颁发给了劳伦斯·奥利弗的《哈姆雷特》。

获奖作品海报

剧中演员服装

剧装设计从题材上大致可以分为四个类别：

1、历史类

这一类别的设计师需要对几乎所有行业的历史有深入了解，通过服装设计从细节到整体的“还原”，将观众带入到电影创造的历史空间中。

1951年第23届奥斯卡金像奖

历史题材的剧装设计，能够明显起到提升电影“质感”的作用。

第80届（2007-2008）最佳服装设计

最典型的例子，便是2018年获得奥斯卡“最佳服装设计”的《魅影缝匠》

这部电影的背景设定在上个世纪五十年代的伦敦，故事发生的地点是一个让上流社会都趋之若鹜的“高级定制”私人时装制衣所。

《魅影缝匠》的戏服设计师Mark Bridges，甚至争取到了进入英国第二大博物馆、亲手接触Givenchy、Balenciaga等大师的原版作品的机会。

最终她还原出了诸多经典的服装设计，完美的复刻了五十年代伦敦的风尚。

2、幻想类

这类作品往往带有导演强烈的风格，并且极度依赖于设计师的想象力和对材质、造型的掌控力。

对于奇幻架空的人物，带有角色隐喻并充满幻想的服饰几乎是他们向观众树立人物形象的最好机会。

比如《猎神：冬日之战》中柯琳·阿特伍德为拉文纳与弗雷娅姐妹设计的战袍。

姐姐贪恋权利，极具野心，是富丽堂皇的金色，配合塞隆女神的气场，不怒自威。

这件金色大氅，重达50磅，用的全部是真羽毛，人工金色涂料并上色。

身为冰雪女王的妹妹情伤难愈，心灰意冷，冷淡哀怨，对应着银白色。

艾米丽布朗特的这件礼服，也是三个工人花了整整一个月做出来的。

冰雪女王和邪恶女王的虚构形象，靠着剧装设计，就撑起了一大半。

仅《猎神：冬日之战》一部电影，柯琳和她的团队就设计了超过1000套戏装，即使是只出现了几秒钟的造型，也是这种水准↓

3、舞蹈类

舞蹈类服装主要服务于演员较大的肢体动作，活动性强，并且轻巧易更换，同时配合舞台的灯光效果。

同时，对于舞台剧，还要兼顾演员能否活动自如，世界巡演的舞台剧，还要考虑运输和装载...

约翰·纳皮尔（John Napier）凭借着为百老汇著名的音乐剧《猫》设计的演员全身“动物装”，这一经典又实用的造型，为他夺得了1983年东尼奖最佳剧装设计。

4、现代类

现代类服装设计看起来最简单，实际上大部分现代剧会基于商业考虑，和品牌合作，受到这些商业限制，设计师的创作空间反而会更加狭窄。

要在电影中构建一个足够真实的“幻境”，除了演员的用心诠释，还有大批才华横溢的幕后工作人员的不懈努力。

“剧装设计师”如同一根勤勤恳恳的老魔棒，将导演天马行空的奇妙幻想和艺术追求，用一针一线和一分一秒，一点点的幻化成了现实。

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