赣南采茶戏十大经典（评赣南采茶戏一个人的长征之二十）

赣南采茶戏《一个人的长征》上演以来，反响热烈，好评如潮，得到来自北京、上海等地的知名戏曲研究专家学者的高度评价。相关专家学者先后在学习强国平台、《中国文化报》《文艺报》《中国戏剧》《戏剧文学》《中国艺术头条》《歌剧》《广东艺术杂志》等相关媒体发表剧目评论后，引发了全国热议。

江西文旅发布今日推出7月19日发布于学习强国平台的贲马（笔名）的评论文章《小人物和他折射的光》，以飨读者，请广大观众持续关注《一个人的长征》。

小人物和他折射的光

——评赣南采茶戏《一个人的长征》

贲 马

赣南采茶戏《一个人的长征》中，骡子是个小人物，偶然进入的局外人，他为红军运输“铁皮箱”换取工钱。他不是红军，不是党员，甚至对长征一无所知，彼时他的眼中所见和心中所想只有他的工钱、恋人和小日子，因为命运和际遇，他经历过恶老板的欺骗、联防队长的诬陷和兵痞的威胁，因而用冷淡、警惕的三方视角打量着周遭，也审视着红军，直至他发现“铁皮箱”中全是金子后的行为，都还是最朴素最执拗的人性支撑。但一路上与邱排长、古小姐和红军将士深度接触后，异样的东西在他内心升腾，三方视角悄然转化为主体视角，最后邱排长牺牲，他擦干眼泪，戴上邱排长留下的军帽，毅然跟上红军的脚步。戏写的是一条运输的路，却缠绕了两股力量，一股是升华了内心的小人物，他的背后是被热血点燃的万千革命群众，另一股是照亮小人物的光，红军之光，革命者之光！

有人将这个作品定位为红色寓言剧，是颇有道理的。如此一个“伟光正”的主题，赋载到骡子这个小人物身上。它的叙事是寓言式的，甚至游戏式的。对于戏曲舞台而言，这是个有点冒险的选择。从戏剧文本到舞台呈现，这个过程是寓言的再生，太考验导演的能力。全剧看完却不难发现，导演在这个作品中已然进入创作的自由境，将中国戏曲的自觉自信，完完整整地端到了舞台上。尽管文本给出了相当难度的设定，却仍然感到她的主动选择在先，文本的方向只不过很合时宜地契合了她戏剧观念的指向罢了。

小人物、小手段，大关切、大情怀。这个戏，终于做成了一个真正的“戏”的样子。回头看看，许久没有这样的感慨。戏剧是什么？戏剧本来就没脱离了字面的意义，本体就这一个“戏”字，所有舞台行为，都应为对“戏”的构建，对“戏”的答解。这是戏剧区别于文学、区别于影视、区别于其他一切艺术形态的根本指向。审美是艺术的基本追求，趣味必定是戏剧灵魂之最重要的一种。有趣味的人，做有趣味的作品，再从趣味中获得感染，获取思想和智慧，这是一种高度，是一种境界。这个看起来小小的作品，它的产生过程，它的呈现状态，它的舞台光泽，确实都不同凡响。

真真假假，虚虚实实，创作者完全丢开这些藩篱，带着观众穿行在纷繁世象之中，这样的驾驭力、统驭力，亦不多见。真作假时假亦可为真，正是对这个作品各式假定状态和效果的描述。这个作品，几乎具有无限假定性，所有可能的真细节非必要都不往真里头做。它的假定，从头到脚，从内到外的。它假定了舞台上的一切，人、事、物象，它又假定了价值和观念中的一切，在对崇高的消解中重建崇高，在对朴素的调侃中回归本真，导演色彩极为浓郁。编剧给出的，确实也很挑战，剧本没打算让导演收着，没有足够开阖的心思，没有足够充分的手段，都会变成“四不像”，二度只要端起来、拘起来哪怕是一点点，也会格格不入、原形毕露的。

放下之后的导演，完全得心应手。作品不只立足于叙事，而是把民间性的充分表达作为艺术手段、也作为核心追求。戏曲艺术的自由界，恣肆，浑通，极致，睥视一切。所有的表达都指向假的，明确告诉观众这是“戏”，但是，戏剧精神是真的，溢出来的民间性的神采是真的。戏曲程式，完全成了她的素材。程式使用和创造，让各种舞台行为既丰富又准确，张力十足。这个戏中的矮子步，大概是我看到的最典型、最妥帖也是最有内涵的戏曲程式了，既具创造性又具合理性的内外兼备的舞台造型，在它面前，语言失色。同时，她用夸张和变形解决着内容逻辑的合理性问题，还是从假定性上来，假戏假做，只求真趣。因此，这种作品带来的感受很奇特，它会让人感动、让人愉悦，但这种感动和愉悦又不只是来自于讲述的故事，而是审美获得的过程。的确很奇妙，很美好。

不得不说，音乐是玩得最使劲、最大的部分。这自然也是导演追求的最重要部分之一。张曼君的作品，尤以采茶为甚，不大能贴着剧种去琢磨，多年前的《八子参军》就是如此。这个戏反倒回归不少，传统赣南采茶戏唱腔音乐广泛使用，原汁原味地使用，使作品的原生气质彰显无虞，粗朴，幽默，充满民间智慧。只是与以往不同的是，她把音乐体系化了，让不同体系的音乐对立起来，用以特殊表达需要，作用于不同身份背景不同性格因素的人，旧腔调保留面貌是旧人，骡子，新腔调另起炉灶是新人，古小姐。最值得玩味的，便是那些新腔。所谓新腔，就是新创作歌曲，形象对位的需要，古小姐还加入了花腔。这种音乐“脸谱”，无疑也在戏曲之“戏”的范畴内。

新腔与旧腔，听觉表现的区别在于音乐体系，新腔是大小调，是七声音阶，旧腔是民族五声调式。这种对比，产生了内在疏离，虽有趣味，由此带出的不同审美体验，增加了表现中的谐谑效果。音乐的参与还让形象更趋典型，让戏剧逻辑更为完善，有些必要的细节用音乐放大，而整体的节奏和气息用音乐把控住、调节好，这种来来回回的戏剧构作，让音乐成为解决问题的重要手段。唱法上也是如此，赣采的女声还好些，男声演唱的风格很单一，久之让人感到乏味，新腔用新声新唱法，也是在对整体音乐的“破”中寻求新的对比来，甚至不惜与音乐形象进行简单化、符号化对位，进而收获一种表达上的典型。这种在戏曲音乐层面进行创新，张曼君不是第一次这么做，但如此大胆的整体性、结构性创新，且完成得如此坚定到位，对于当代戏曲音乐创作而言，是很值得思考和研究的。

演员也很出彩，杨俊这个演员声音条件不错，身上也丰富，导演对采茶戏熟悉，赋予主角的舞台行为妥帖有效。这样的创作是很让人喜悦的。花姑的嗓子也很好。细节看起来不经心，实际藏入了精心。伴唱男生上衣的格子纹，二正一斜，都有设计，时空关系推敲很严谨；谢幕很有做戏的况味，一把胡琴，收得意味深长，隽永含蓄。那些放弃了神秘性而置于灯光下的乐队、伴唱，他们唱的什么演的什么不重要，他们的上上下下构成的舞台组合，已经是“戏”的一部分。

有些略可言说的期待，或许整体的气息可以再控制些，往回收点，有些处理不妨再整饬些，比如新腔的音乐创作，是不是可以再做些归拢，让它建立起与戏曲音乐之间的更为有效的对话，比如舞台调度，是不是可以在不影响灵动感的前提下，把一些过于细碎的舞台行为再收拾收拾。当然，这些都不会影响到这件作品已经具有的光彩和价值。

来源：“学习强国”学习平台

编辑：省文旅宣推中心（江西画报社） 王书玥

初审：杨可、邓高正

复审：周琦

终审：宋靖