草绘教程45讲（羊廷牧老师线上分享全纪录）

文/羊廷牧

整理/澄珏

上个月底，动画学术趴研习社邀请到了国内知名动画导演羊延牧老师，为大家带来《原画师的进阶之路》的线上分享。

此次课程中，羊廷牧老师为我们讲解了很多提原画的相关知识点和内容。线上分享持续时间超过两个小时，参与直播人数超过4000人，课程学习人次超过6000次，可以说是盛况空前。

这次，贴心的小趴把羊廷牧老师的分享内容整理成了详细的文字版，希望可以对小伙伴们的学习有所帮助~

— 原画师必备技能 —

1、软件等工具的使用

Flash：从时间轴和镜头运动的直观性来说flash是最好的，但它的线条质感是最弱的，画的时候有很强的矢量修正很难刻画细节，适合用来画草稿，但是细化起来很麻烦。

Csp：现在日本很多年轻原画师很多都是用flash来画一原，用纸或者csp来清二原。同时，这款软件也是羊大公司正在用的。

Retas：日本常用作画软件，其中的上色模块是所有软件中最好的。

2、业内通用流程和标示规范

通用流程是指首先要读懂分镜，知道layout、一原、二原、动画、作监、演出这些工作具体是做什么的。日本和欧美的流程可能会有区别，但是都大同小异，掌握其中一个其他的理解起来也会比较快。

摄影表

轨目

标示规范比如摄影表和轨目这些内容在进入业界之后很快就能学会。这两种都是工业体系合作之中使用，方便沟通，如果是自己片子的并不需要用到这些。

3、基础画力

重点在于怎样表现出某种事物和运动的真实感，再现真实性的感觉。

同是画画，不同的工作需要不同方面的画力，有一些的是相通的，有些是不相通的。比如说插图里面的画力对色彩、平面构成、刻画物体的材质、装饰性的细节这些能力要求比较高，但对动画原画师来说，以上这些并不是首要的画力。反之，插图和漫画中的画力对空间感的要求并没有动画的高。现在讲的画力是正对于要成为动画的原画师需要的画力。

速度要快。二维动画绘制量非常大，每秒钟需要很多张画面，所以速度是专业化程度很重要的指标。强者越强，弱者越弱。画的快的人，能获得更多的训练量，接触到更多情况，成长的会比别人快，成长的快可以更早接触高难度的工作，累积的经验就会越多，这是一个正循环的过程，这是一种马太效应。对年轻人来说，早点努力就是进入这种正循环。

对画画来说能够自由表达自己心里的想法，并且快速传达自己的感受是评判画力高低的重要指标，而不是因为某种特定的风格。在所有的艺术领域中，这是一个通用的指标。

人体：优先理解体块，不能过于纠结肌肉。对于动画人来说要有体块意识，想象体块在空间中的旋转运动，增加人物的可信度。建议先学习伯里曼之类的书籍。

伯里曼人体

透视：透视是增加画面可信度非常重要的工具，就像盖楼的时候需要先打地基一样。在画设计稿时首先要准确找出地平线，并且通过各种辅助线，找准透视，精确线稿，增加画面的真实感，给人一种摄影机拍摄的感觉。

广泛性：第一层意思是能画出世间万物，比如男女老少、动物植物、机械等等，第二层意思是能适应不同片子的风格。能画出的东西多样性越多，那么画力就越强。

表情：表情的能力和人体的能力并不相关，是一种对角色和情境的感受能力，用Q版也可以变现出来。微妙的表情变化会带来其他各方面变化，比如说角色感情或者性格，一张生动的表情本身就有演技。

表情只要有一点偏差就会给人感觉不一样，所以我们要用精确干净的线稿练习，提高对表情的敏感程度。正如丸山老爷子所说：一张漂亮的单帧本身就比一连串拙劣的动作有效。

pose的韵律感：比如勾画一个坐姿，有的人画得僵硬，有的人画得放松，有的还能带有某种情绪，能让人感受到生命力，带着某种协调性。一般来说，动态线适合在画强烈的大动作时用。

迪士尼动态线画法

而日常动作更适合用轮廓画法，快速捕捉第一感觉，习惯这种画法之后，会大幅度改变观察事物的方式，跳出理性的思维。平时也可以用轮廓草图来快速记录动作表演的灵感。（背景也可以用轮廓画法来画。）

轮廓画法

构图、光影：构图和光影是好画面的底层构架，有助于加强作品感染力。人体透视再好，构图光影不行，依然无法给观众呈现出好的作品。（羊大和光学核心微博上都有相关文章）

最重要的一点，以上所有的这些都需要“单线勾勒”来输出！二维动画入门时都要先练线，线条练好了，前面的能力才能更好地表现出来。

4、运动规律

美式重视对“运动和力的分析”，在理论架构上更出色，注重拆解和分析动作，是一种内功，入门时推荐先学习美式。比如迪士尼十二原则，预备缓冲、曲线运动、随动、区分主要次要动作等等，对实战很有帮助。比如随动和重叠，用来描述主要次要动作，主要运动强调力的生成，次要表现力生成之后伴随的效果（如转头时头和头发，跑步的时腿和手等等）。

推荐书籍：《原画师生存手册》《动画时间的掌握》《生命的幻象》

相比于美式而言，日式有更丰富的表现技巧，但目前缺乏理论体系性。

其中比较具有代表性的就是泛金田系。在金田之前，主要是对现实的描写刻画，金田加入了个人化特征，比如极端透视、平面设计感的特效，抑扬顿挫的节奏，夸张到不自然的pose等等，经代代传承成了现在一种日式作画的典型。

泛金田系经常出现某种单一要素的极端化，如大张透视，这种透视经常会出现前面的地方像广角，远处的东西是标准镜头或是长焦镜头，是非常主观的处理。在时间上主观控制信息量，需要强调的地方时间留长，次要的快速过掉，加强抑扬顿挫的节奏感，强化关键pose。运动中把空间极端化的情况。

镜头内剪辑：日式有一个关键的核心特征就是“断裂性”，迪斯尼和日本真实系的作画都很强调各个局部轨迹的流畅性，但是泛金田系一串动作中很多部分都是跳跃的，不能准确地连接上，它只需要一个大的动势相连接。日本原画中经常在一卡中糅合转场跳切等剪辑因素，用运动规律的方式把几个镜头连接到一起形成完整的一个镜头。

多去理解“基本套路”背后的原理、细节，它们是前人经验的精华浓缩。

跑步触地张

比如跑步用触地张做原画张，这张的高度居中，相当于基准点更容易控制其他张，也能看清步幅长度。比如走路、跑步的左右晃动，哪张摆动幅度最大。

套路不是用来背的，而是用来帮助理解前人的经验和锁定基本感觉的。

5、对视听语言和表演的理解

怎样更好的传达气氛和角色感情？

好的原画会有“微观层面的演出能力”。在具体的一卡里，甚至在连续的一段戏中，分配演技和视听调度。角色做动作怎样更符合性格和情景，画出准确的情绪，

视线对位：视线到底看向哪里，视线准确能让观众更能入戏。细微的表演相当大程度是一种演出能力，而不完全是原画能力。到了这一层面时并不是要画一个真实运动，而是画一个准确情绪。（可参考羊廷牧老师微博文章《运动真实和状态真实》）

停顿：日常动作有很多微小的停顿，停顿的长短不仅能影响真实感也能想象情绪。停顿时间长短不同，感受不一样。

镜头之间的动作连接性：前后镜头描述同一动作时，两个之间的速度应该看起来一样，动作的结束点和开始点选择的连续和跳切不同效果也不同，这些和实拍里的剪辑比较相近。

注重机位和景别对表演的影响：近景和远景的表现细腻度是不一样的。比如一个拿杯子的动作，特写时动作多于全景，全景时一般采取降低原画张数，依赖中割，使其看上去自然。

动画本质上就是在控制信息量，让观众“看什么”和“不看什么”。

— 新人自学原画误区 —

1、习惯一张张顺着往后画

推着画自由度高，画的时候感受流畅，可能会出现意想不到的效果，但是画的大小会在不知觉中变化，容易被前面的动作带跑，很难准确控制出最开始的感觉。建议职业原画师建议使用关键张画法，更容易控制动作以及大小，对运动主体使用关键张画法，对随动用推着画。

2、迷恋炫酷大动作

对于数码作画，画动容易，画“稳定”难。炫酷动作难点在于设计上，容错率非常高，很难培养在实际工作中的能力，画得不稳会很大程度暴露画力问题。新人来说无法用画力控制微小范围的运动，这就需要进行中割训练来提高对细节流畅的敏锐性。

3、只画潦草的动图

刻画精度本身就是画力的体现。寥寥几笔时画得很生动，一细化就惨不忍睹——这里的结构不清楚、那里的透视不懂画、眉眼表情怎么描一遍就完全不是原来的感觉了……类似情况数不胜数。这些本身就是实打实的技术差距。越是精确、细致的稿件，就越考验你在多方面的技术实力，好比木桶原理，只要其中某块板明显短了，整个作品的观感都会大打折扣。

4、只看作画mad学原画

mad剥离了原画的情境，动得出色未必对片子而言是好的卡。mad更多关注于原画师的表面风格，但创作者要尝试重建底层逻辑，还原最开始的思路，不要被花哨的细节蒙蔽。建议新人原画，拿到分镜先尝试自己画，然后再找适合自己能力的参考。

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以上就是羊廷牧老师分享课程的全部内容啦~两个小时的高容量分享，太多内容都需要小伙伴们自己慢慢消化，不要忘记多复习勤思考哦~

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