罗丹雕塑艺术特色及代表作是什么（罗丹为什么是20世纪最伟大的雕塑家）

奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin1840～1917）法国著名雕塑家。

1840年11月12日生于一个贫穷的基督教家庭。他的父亲是一名警务信使，母亲是穷苦的平民妇女。罗丹从小喜爱美术，其它功课却很糟糕。在姐姐玛丽的支持下，失望的父亲不得不同意把他送进巴黎美术工艺学校。姐姐玛丽靠自己挣得的工钱来供给他食宿费，因此罗丹从小就深深地敬爱他的姐姐。

罗丹进的美术工艺学校是蓬巴杜夫人所宠幸的画家巴歇利埃在1765年创建的，学生在这里学习装帧艺术和制图。在这里他遇到了终生敬仰的启蒙老师荷拉斯·勒考克。勒考克是一个普通的美术教员，但他一开始就鼓励罗丹忠实于真正的艺术感觉，而不要按照学院派的教条去循规蹈矩。也许正是这种教导影响了罗丹的一生。在此期间，他常去卢浮宫临摹大师的名画。由于买不起油画颜料，罗丹转到了雕塑班，并从此爱上了雕塑。勒考克又介绍他到当时法国著名的动物雕塑家巴耶（Barye 1796～1875）那里去学习，使他受到良好的基础训练。在渡过三年艰苦而勤奋的学习时间后，罗丹踌躇满志，准备投考巴黎美术学院。勒考克把罗丹介绍给当时著名的雕塑家曼德隆（Hippolyte Maindron 1801～1884），让他做为推荐人在罗丹的入学申请书上签字，但这也没用，罗丹落选了。第二年依然落选。第三年，一个老迈的主持人在罗丹的名字旁边干脆写上：“此生毫无才能，继续报考，纯系浪费。”就这样，未来的欧洲雕刻巨匠，竟被巴黎美术学院永远拒之门外。这对渴望成为雕塑家的年轻的罗丹，是一个沉重打击。

《青铜时代》创作于1876－1877年，现位于法国卢森堡公园。

这是罗丹用了18个月的时间雕塑的男人体。模特是年轻士兵。罗丹最初把它命名为“被征服者”。后来范·拉斯布尔鼓励他，建议罗丹把那根棍子取消，并改名为《青铜时代》。应该说这个名字是很贴切的，它重新为雕像赋予了深意。它表现了人类从原始社会中过渡到青铜时代，它象征着“人类黎明”或“人类的觉醒”。罗丹真实地塑造了一个匀称而完美的青年男性人体，他的体态非常自然生动，左腿支撑全身，右腿稍弯曲，脚趾微微着地。左手好似持杖，右臂举起，手扶在头顶，使躯干和四肢的肌肉随之发生起伏变化。他的头微向后仰，双目合闭，好似即将从梦中醒来。整个姿态和面部表情十分和谐，他舒展全身，正在解脱一切束缚，开始发出内在的力量。全身的轮廓结构不仅均匀、完美，并体现了精确的解剖知识。

在展览会上，《青铜时代》被评论界认为是用人体浇铸而成的，一时间罗丹成了下流的骗子。罗丹向美术院提出抗议，美术院则派了五名雕塑家组成的评审团来到罗丹的工作室。罗丹没有参照任何模特儿，当众塑造了一个男性裸体。在这个即兴创作的人像上，罗丹令人无可怀疑地表现了他那精确的解剖知识和卓越的雕塑技巧，它无言地击败了这场声势浩大的攻击。

更大的打击接踵而来，罗丹心爱的姐姐玛丽因失恋而入修道院了，两年之后， 她柔弱的精神和肉体承受不了失意而又清寒枯索的生活，因病去世。罗丹的精神在这双重打击下彻底崩溃了，他毅然走上姐姐的路，当了一名修道士。但是罗丹强健的肉体供给他源源不断的欲望，其中创造欲望在一颗艺术家的心中燃起了难以遏制的火焰，使对上帝和艺术同样虔诚的罗丹陷入内心的矛盾和痛苦。善良而明达的修道院院长埃玛尔，从罗丹受压抑的表情上看出了他的心思。他创造条件让罗丹有机会去画画和雕刻。当他看到罗丹确有才气后，就劝说罗丹还俗，去继续其雕塑事业，“用艺术为上帝服务”。这样鼓励罗丹。罗丹用一颗被抚慰而充满感激的心在修道院为埃玛尔院长做了一件雕像，这件雕像显示出23岁罗丹已经具备当一个雕塑家的洞察力、技巧和手劲儿。

罗丹重新回到勒考克身边，在他的帮助和支持下，开始了边工作边自学的奋斗生涯。雇不起模特儿，他就请一个塌鼻的乞丐毕比给他当模特儿。乞丐的丑陋使罗丹看到了在其被磨损的脸上，有着人类所共有的愁苦和凄凉。他创作时注意光在作品表面的表现，将其所要展现的思想内涵容入到作品中去，使雕塑艺术成为一种强有力的语言，人们在思想上所感受的内容要远远超过视觉感受。这一艺术思想正是大师米开朗基罗在晚年苦苦追求，而经过三百多年后第一次在罗丹的《塌鼻男人》得以成熟展现，并贯穿其一生，成为它们的灵魂和魅力的源泉。

《塌鼻男人/伤鼻的男子》，1864年，藏于俄罗斯圣彼得堡艾米塔吉博物馆

他善于用丰富多样的绘画性手法塑造出神态生动富有力量的艺术形象。生平作了许多速写，别具风格，并有《艺术论》传世。罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲上的地位。罗丹和他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻“三大支柱”。

罗丹有一个美丽的学生与助手卡米尔·克洛岱尔。她从19岁就进入罗丹的工作室，成了他生活中的一个重要内容。他们之间的爱情与烦恼深深地折磨着艺术家与卡米尔本人。卡米尔也是一位卓有成就的女雕刻家。罗丹与她相爱期间，创作了以“永恒”为主题的一系列雕塑作品,《永恒的春天》与《永恒的偶像》就是其中两件代表作。这些作品也是罗丹与克洛岱尔爱情生活的反映。

《永恒的偶像》，现收藏于巴黎罗丹美术馆。

卡米尔· 克洛岱尔的《沙恭达罗》

在克劳戴尔和罗丹的作品中，各有一尊一个男子跪在一个女子面前的双雕小像，那就是克洛岱尔的《沙恭达罗》和罗丹的《永恒的偶像》。它们彼此惊人地相似，但仔细去看，却可以区别二者的差异，显示了雕塑家各自不同视角里的爱与被爱。

克洛岱尔的《沙恭达罗》，跪在女子面前的男子，脸颊紧贴着爱人，双手伸到女子的背后，紧紧拥抱着对方，惟恐失去所爱，仰起的脸充满爱怜。而此时此刻，女子一手抚胸，一手垂搭在男子的肩下，全部身心已与他融为一体。犹如她所期望、渴求的专一的爱情。

而在罗丹的《永恒的偶像》中，女子像一尊女神，男子背着双手跪在她的脚前，轻轻地吻她的胸膛，倾倒于她，神情极尽虔诚与崇拜。两件作品，一件是激情的，陶醉的，充满人性的；一件净化的，清醒的，充满圣洁感的；两件雕塑放在一起，也许昭示就是从1885年至1889年最真切的罗丹与克劳戴尔。

《永恒的春天》创作于1882年，现存于法国巴黎罗丹博物馆

罗丹用流畅、华美的线条塑造的一首充满激情的爱情诗:用男女人体描绘人间最甜美的感情，春天的空气清新撩人，花草树木枝芽初发，年轻人爱的种子也在心中萌发，青铜质地的雕塑更为这种感情增添高贵。少年背倚石座，左手抓住石头支撑身体，右手紧紧揽住少女的肩头，他低头深情吻着心中所爱，少女斜跪在地上仰首接受这份爱恋温情，她身躯仿佛一弯明月，尽量向后弯伸，她完美的体态脱颖而出。这对恋人情绪热烈，表达投入，一拥一抱，身体的拉伸呈现出激情的张力，他们不仅给春天带来更新鲜的活力，实际上他们就是春天，他们的爱是永恒的春天。

《吻》创作于1884－1886年，现藏于巴黎罗丹美术馆。

取材于但丁的《神曲》里所描写的弗朗切斯卡与保罗这一对情侣的爱情悲剧，罗丹取用这一题材以更加坦荡的形式，塑造了两个不顾一切世俗诽谤的情侣，在幽会中热烈接吻的瞬间。 这件雕塑把双人座像的下半部纳入大理石整体之中，避免了脚的繁琐而加强了坐像的整体感。以极为古典的写实手法雕刻而成。他们起伏,细腻,优雅的肌体和姿态，引起了极为生动的光影效果。仿佛其内在的青春热情与生命。

《保罗与弗兰切斯卡》 1887年 现藏于法国巴黎罗丹博物馆

这件雕塑取材于但丁《神曲》(地狱篇)中佛兰切斯卡与保罗的爱情悲剧。画面上，佛兰切斯卡与保罗出现在但丁与维吉尔眼前，他俩互相依偎、缠绕在一起，保罗右手扶着佛兰切斯卡的臂部，头向后仰，左手高举掩着脸部，既表现出对情人的爱，又表现出由这种爱而生的悔恨、羞耻和痛不欲生之感。而佛兰切斯卡则双手紧紧勾住保罗的肩膀，眼睛闭着，有一种身心托付于他的情态，显得十分缠绵和依恋，也表现出少女的单纯、痴情。两人的身躯漂浮在空中，显得十分轻盈。在这幅画中，画家所注重的是人物内在的心理刻画和幻影般的戏剧性效果。色彩的运用是古典主义的传统手法，在褐色调中细腻地刻画出人体肌肤的微妙变化。整幅画面具有一种强烈情爱的感染力。

《加莱义民》1884－1886年，现存法国加莱市。

《加莱义民》是罗丹应加莱市长德瓦佛兰的邀请而制作的。14世纪英法百年战争中，法国北部的加莱为英军包围。为了挽救全城百姓的生命，六位有声望的市民被迫在脖子上套上绳子，将城市的钥匙献给英国国王。这几位市民英勇牺牲的精神感动了整个城市，他们被市民奉为加莱的城市英雄。

罗丹被请来为此次作纪念性的雕塑，他按照英国的编年史家法萨特所描绘的样子，塑造了一群身穿麻布衣服、手捧钥匙的义民罗丹这套《加莱义民》的创作手法，是先塑造出裸体习作，再将其套上衣服浸泡进石膏水中获取衣纹的处理手法，这样处理一方面人物的形体动作显得极为真实，一方面使这些英雄走向死亡时视死如归、坚定不移的精神气质呼之欲出。此外，衣服上下垂的直线条使人联想到哥特式教堂的垂直建筑，铜像上的光线感更强调了这一效果，给人一种中世纪葬礼的严肃和庄重感。

雕塑大师罗丹花了11年时间创作的这组群雕像《加莱义民》，在法国政府的限制下，仅复制了12尊。罗丹的原作被留在了加莱，其余的，有的被纽约大都会博物馆收藏，也有的被英国政府买下来安放在英国国会大厦旁。

《欧米哀尔》，青铜，创作于1885年

这是罗丹的代表作之一。根据法国诗人维龙的《美丽的欧米哀尔》一诗所创作的。雕塑刻画了一个被岁月摧残的妓女形象。欧米哀尔曾是个年轻美貌的妓女，在情场上风流一时，而今风光不再，不堪回首。在皱巴秽恶的瘦脸上，在各种畸形和残缺上，比在正常健全的相貌上更加明显地展现出来。罗丹先生正是从又老又丑的妓女身上，挖掘出她内心世界的痛苦和灵魂深处的悲哀。丹尽情使用着造型的语言，大胆淋漓地描绘了一个衰老的生命 体。她只是一个接近生命终极的活脱脱的血肉之躯，带着无尽的生活遗憾，在残然的寂寞中无奈地等待丧钟敲响。《欧米哀尔》至今被普遍评价为是一座在艺术上“化丑为美”的上乘佳作。

《思想者》创作于1880—1900年，现收藏于巴黎罗丹美术馆

是罗丹晚年最伟大的作品，也是罗丹耗费心力塑造的力作，堪称罗丹个人艺术雕塑史上的里程碑。这是一个依据真实人物塑造的男子裸体雕塑，“他”左手握拳，右手扶头，面孔昂起作思索状，这是一个强劲而富有内力，成熟而又深刻的形象。那生命感强烈的躯体，在一种极为痛苦状的思考中剧烈地收缩着，紧皱的眉头，托腮的手臂，低俯的躯干，弯曲的下肢，似乎人体的一切细节都在承受着一种无形的压力，紧紧地向内收拢和拳缩。它不仅充分展示人体的刚健之美，而且蕴藏着深刻与永恒的精神，充满了象征的意喻，也融进了整个人类的精神实质。凝重而深刻的思想性，使整件作品呈现出动人的力量。这件作品将深刻的精神内涵与生动的人物形象融于一体，体现了罗丹雕塑艺术的个性特征。其艺术力量是超越时空的，具有永恒的艺术意义。当年，列宁就曾对两名要路过法国赴伦敦参加俄国社会民主党党代会的青年代表说，你们一定要去看看罗丹的《思想者》。于此可见一斑。

《行走的人》创作于1877年，现藏于巴黎罗丹博物馆藏

这件雕塑作品也是罗丹比较著名的作品。作品塑造的是一个大步向前走的姿态，虽然没有手臂和头部，但是却能让观赏者感觉到作品中蕴涵的无穷动能，一人坚定地走在风云叱咤的大气里。当然如果我们仔细观察这一行走的动作的话，就会发现，这样的动作在现实中是不存在的。这似乎违背了自然的规律，但是艺术本来就是自然的升华，如果完全等同于自然的法则，那就不是艺术，那更不是罗丹的艺术。罗丹写到：“这可是个行走的人啊！”脱离了动人的手臂和头部，此处的圣若翰洗者失去了身份，仅存了一副动态的解刨结构。

《巴尔扎克》

罗丹对巴尔扎克非常敬慕，十分乐意为他塑像。所以1891年法国文学家协会委托罗丹雕塑一尊巴尔扎克像时，他当即表示：“我要做一番非同寻常的事业。”在罗丹10岁时，巴尔扎克就已去世。因此在形象的塑造上，他做了大量的阅读、考察和研究，前后作了四十多件形象习作，着意刻画一代文豪的外貌和精神特征。雕刻家认为，创造形似的巴尔扎克不是主要的，“我考虑的是他的热情工作，他的艰难生活，他的不息的战斗，他的伟大的胆略和精神，我企图表现所有这一切”罗丹塑造的巴尔扎克是个夜间漫步的形象。文豪习惯于夜间穿着睡衣工作，所以罗丹让他披着睡衣在星空下沉思，那宽大的睡衣包裹着屹立的巨人。据说原来作的小稿中，巴尔扎克有一双智慧的手。罗丹在征求他的学生、助手布尔德尔的意见时，布尔德尔赞美地说：“他这双手雕得太好了！”罗丹听后拿起锤子就砸掉了这双手，因为他怕这双手过分突出而让人忽略了主要的部分。现在人们看到的巴尔扎克，双手被睡袍紧紧遮盖，面部精神被突现了出来，在月光下好像独自整夜在行走、思考。

《地狱之门》

罗丹选中了文艺复兴时期大诗人但丁的长诗《神曲》中的“地狱篇”，塑造了著名的、规模浩繁的《地狱之门》群雕门饰。这件纪念碑式的艺术品，共塑造186个痛苦群体，其中有几尊形象后来发展成独立的雕像，如《思想者》、《三个幽灵》、《接吻》等。作品的中心主题是通过“地狱篇”中“从我这里走进苦恼之城，从我这里走进罪恶之渊，你们走进来的，把一切的希望抛在后面。”的含义，用多结构形式，和象征性构图，及真实人物走型，综合表达罗丹的哲学观点，把近代文明罪恶都集中表现在“大门”之上，刻画出为情欲、恐惧、痛苦、理想而争斗、并折磨着自己的形象，贯穿着希望、幻灭、死亡和痛苦等种种感情。

最顶上的是《三个幽灵》，他们站着，头部互相接近，三只手臂都指向下面的地狱，《思想者》的两旁是一些轻罪人，渐下罪孽越来越大。下边分两扇门，一边是热恋中的青年男女在走入地狱，一边是想吃人肉的饿鬼，其余部分包括地狱各色各样的恶人、奸贼、暴君、淫妓等等。

罗丹的一生是被人攻击和嘲讽、同时亦为人理解和支持的一生。但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹一生攀登，并终于登上米开朗基罗之后的又一高峰。罗丹坚信：“艺术即感情”。他的全部作品都证明了这一观念，都深刻揭示了人类的丰富情感。罗丹偏爱悲壮的主题，善于从残破中发掘出力与美，这使他的艺术具备博大精深的品格。他开创了一个全新的时代，创作了一种全新的艺术手法。

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