那些年你们听过最好听的粤语歌（从声生不息看粤语歌的那二十年）
《声生不息》实火。
开播当天，网络热度直接冲到第一。
香港音乐也前所未有的霸榜各大音乐平台榜单。
时至今日，我们为何还如此喜欢港乐？
ps：准确来说，「港乐」指的是「香港管弦乐团」
为简化处理，此处将「香港音乐」称为「港乐」
港乐独有的时代烙印
《声生不息》采取港乐新唱的形式，男女对战，演出阵容由中国内地和香港歌手组成。
唯一的主角就是「港乐」。
在老一辈歌手中，男有铁肺「歌隐」林子祥。
他衔接了「谭张争霸」和「四大天王」两个时代，是香港音乐的「活化石」，见证了港乐数十年的兴衰起伏。
女有「四大天后」之一的叶倩文。
尽管乌发变成了银发，但红裙依旧在
除了《潇洒走一回》，《倩女幽魂》《珍重》《祝福》同样是港乐经典。
连谭咏麟都说，不知道《祝福》的人，不算香港人。
除了能看到乐坛前辈重演经典，还能看到一众新人的表演。
曾比特翻唱了《食神》的插曲《初恋》，炎明熹则翻唱了陈僖仪的《蜚蜚》。
蜚蜚音乐：陈僖仪 - Let Me Find Love
在竞演结束则是谁也躲不开的「情怀杀」。
几十年过去了，音乐市场早已改天换地。
我们被短视频BGM洗脑，为科切拉的风欢呼，但仍然会为维多利亚港的落日余晖买单。
因为以前的香港音乐实在是太火了。
想告白就放《勇》，单恋就自动代入《钟无艳》。
失恋也没关系，可以从容祖儿《出卖》一直唱到郑秀文的《终身美丽》。
马赛克也说，那个年代学吉他的人，都把 BEYOND 的歌当成评判演奏功底的「考级曲」。
这也不难理解，香港当年的音乐审美确实领先于内地。
因为当内地人民还在忙于生产建设时，香港人民已经乘着 Beatles 和 Rolling Stone 的东风玩起了乐队。
夹杂着欧美摇滚和流行元素的音乐对内地无疑是一种冲击。
许冠杰
而且当年乐坛影坛不分家，贴合的主题曲更能勾起人们的情愫。
看完《大话西游》，开始听《一生所爱》。
看完《英雄本色》，不断循环《当年情》。
看完《重庆森林》，就爱上《梦中人》。
梦中人音乐：王菲 - 重庆森林
电影迷人，歌亦迷人，一直承包着70后、80后、90后的回忆。
其实，相比于只有四声的国语，九声六调的粤语更适合演唱，因为它的声调音与旋律音基本能保持一致。
再搭配上押韵的歌词，短短几句就能写尽最难明的心绪。
黄霑就将中国传统的五声音阶——宫、商、角、徵、羽倒过来弹，配上豪情满怀的歌词创作了《沧海一声笑》。
沧海一声笑音乐：许冠杰 - 宝丽金星光灿烂
当年那些港乐，始终经得起反复咂摸。
无论过去多久，再听再品，依然能带来直抵灵魂的震颤。
是因为香港歌手唱歌更走心？还是粤语歌本身有股神奇的力量？
粤语歌比国语歌好听？
大部分人其实是听不懂粤语的，但即便如此，面对同一首歌，我们还是更愿意听粤语版。
难道粤语版真就比国语版好听？
粤语歌的好听与它本身的声调有关，声调与旋律变化基本相一致。
粤语的六个声调按音高情况，可以分成四个层次。
H（高）：55/53，35
M（中）：33，23
L（低）：22
B（底）：21
声调是相对音高，一个字的声调全靠和邻近字的对比得到。
因此通过计算字调和音乐旋律的差别，即音乐音程减1和字调级程减1的差值，就能得到字声的和谐程度。
如果差值是1或0，就表示字声协律，听觉感受和谐；如果差值大于1或0，那么声调就可能唱歪了。
以林夕作词的《似是故人来》为例：
似是故人来音乐：梅艳芳 - 梅艳芳经典金曲演唱会
这首歌词为四字句和五字句交替出现。
用上述的方法可以发现，这首歌绝大部分都符合这个规律。
数字表示调类
字调高低的变化和旋律音高的高低变化完全一致，即便是朗读，都像在唱歌。
这也是为什么很多香港音乐第一遍听就感觉亲切，朗朗上口。
大地音乐：BEYOND - 黄家驹原作精选集
多样化的声调不仅让粤语歌拥有更广的发挥方向，也让词曲更加契合。
粤语流行曲一般采取 AABA 形式的曲调写法，曲式的限制使创作者必须为几段重复的旋律配上不同的歌词。
而且相比于白话，粤语更贴近古汉语，表达更精炼。
在这种情况下，粤语歌通常都是先谱曲后填词。
也就是先有旋律，再按音程高低和句法格式填上合适的歌词。
©Janasojka
所以在听粤语歌的时候你会发现，不仅每一句歌词很符合音乐乐句的发展趋势，节奏上也更加抑扬顿挫。
以陈奕迅的《富士山下》和《爱情呼叫转移》为例。
同样的曲调，演唱者也是同一人，但是一个是粤语，一个是国语，唱出来却天差地别。
副歌部分，粤语《富士山下》有9个先低后高的音：
谁都只得那双手
靠拥抱亦难任你拥有
要拥有必先懂失去怎接受
富士山下 副歌音频：00:0000:09
而国语《爱情呼叫转移》只有5个：
把一个人的温暖
转移到另一个的胸膛
让上次犯的错反省出梦想
爱情转移 副歌音频：00:0000:09
除了声调和韵律，粤语歌也非常重视押韵。
押韵的歌可以带来听觉愉悦，易于记忆、传唱，提高歌曲的流行度。
粤语歌一直保持着密韵的传统，一首歌通常都是押同一个韵，可句句用韵，也可隔句用韵。
而且它们所选用的韵一般都与歌曲表达的情感相应。
《男儿当自强》就采用洪亮的康庄、寒安、强疆一摄韵，配合古曲《将军令》，听起来就铿锵有力，创造了一种音响效果。
男儿当自强音乐：林子祥 - 天碟金曲精选一
《爱到发烧》和《追求三部曲》则是以幽默取胜的「鬼马歌」。
爱到发烧音乐：林子祥 - 85特辑
前者押的逍遥韵，后者押英明、灵丁一摄韵，而且句句用韵，一韵到底，取得了一种谐谑的效果。
为何走向衰落？
从《声生不息》的选曲就能看出端倪。
节目中那些引发广泛共鸣的歌曲，基本都发行于八九十年代，千禧年之后的数量非常少。
为什么香港音乐的传唱度降低了？
从乐坛本身来看，港乐的形态变化越来越少。
75-85年的香港音乐包罗万象，每个人都有自己独特的风格。
这也就是为什么香港音乐能克服语言障碍，在内地这个国语环境中抗衡台湾流行曲而不落下风的原因。
MONICA音乐：张国荣 - 张国荣经典金曲伴唱音乐 KARAOKE VOL.2
但到了四大天王之后，音乐的形态却没有多少变化。
张学友和周华健只在嗓音和个人风格上有所不同，演唱的歌曲已没有本质的差异。
再往后，给乐坛带来新气象的除了王菲基本就是台湾歌手了。
容易受伤的女人音乐：王菲 - Coming Home
《容易受伤的女人》奠定了王菲天后的地位
逆水行舟不进则退，何况是需要不断推陈出新才能持续吸引受众的流行文化。
而且巨星的出现也让音乐从艺术品让位于大众商品。
巨星让香港陷入了一种粉丝生态，人气是首位，数据是关键。
谭张争霸，粉丝恶毒诅咒
所以当年不少歌手一年甚至会出3-4张专辑。
过快的发片频率，每张专辑必然不会精雕细琢。
更何况香港的音乐市场本就狭小，优质的词曲创作人非常有限。这种情况下要么去国外拣现成的，要么就走商业流水线，质量可想而知。
©Alexander
商业化的演进道路也让后来的香港流行乐「chose style over stuff」。
过于重视化妆、服装、舞台表演而非音乐本身，以至于歌曲形式长期停留在「formulaic ballad」(公式化的芭乐)。
音乐是皮，包装只是毛，没有毛固然不够好看，然而皮之不存毛将焉附？
卡拉OK在香港的登陆也影响了音乐的生产模式。
以前，作曲家们写歌是给歌手唱的，但卡拉OK风靡后，作曲家们需要迁就没有受过音乐训练的普罗大众，音域的创作范围直接收窄。
旋律要么是过于遵循高难度设计以挑战唱功（如三连音式），要么是过于迁就KTV级别唱功而成为流水作业。
©Marta Bevacqua
内地娱乐产业的发展也让香港音乐失去了竞争力。
香港乐坛星光璀璨之时，内地的文娱产业一片荒芜。
但亚洲金融危机爆发后，势如破竹的经济发展被强行打断，内地经济却不断复苏，文娱产业迅速崛起。
80年代，崔健用《一无所有》书写了中国摇滚唱片史的开端；90年代，以高晓松为代表的校园民谣开始崛起。
崔健音频：00:0005:37
内地有了自己的音乐，更何况隔壁同样唱国语的台湾也是人才不断，与普通话隔了一条街的香港音乐，注定让道。
而且香港文化本身也遭遇了时代发展的困境。
千禧年之后，就业越来越充分，黑社会快速洗白，打打杀杀越发少见。
黑帮风云、乱世江湖、警匪勾结，独具特色的港片也就失去了存在的土壤。
依赖于港片的港乐，也逐渐变得小众。
而那些撑起黄金时代的一众港星的隐退或转业，更是让香港音乐陷入青黄不接的尴尬局面。
林夕被封减产，港乐两大词人现只剩黄伟文一人。
林夕原名梁伟文，两人同名不同姓，合称「两个伟文」
英皇娱乐的在约歌手中，主攻音乐路线的寥寥可数。
人们记住的只有头部歌手，余下的歌手，既分不到有利的资源，也没有好的市场支撑。
像泳儿，近两年的音乐偏向暗黑风格，旋律与主流音乐不同，市场的接受度更是少之又少。
沟渠畅泳_泳儿音频：00:0003:48
屋漏偏逢连夜雨，奖项含金量的直线降低助推了音乐的衰落。
香港乐坛最著名的颁奖礼是两个十大——香港电台的十大中文金曲颁奖礼、TVB的十大劲歌金曲颁奖礼。
十大劲歌金曲见证了众多传奇历史
可现在，十大中文金曲因为水花不够，开始变着法增加奖项个数。
TVB与四大唱片公司交恶，十大劲歌金曲变成自家乐的游戏。
乐坛的衰落，不只香一份，但我们对香港的哀叹尤其激烈。
因为当年香港音乐实在是超常发挥。
作为一个城市，它创造的流行文化不仅接近过，甚至某些时刻还超越过一个国家的流行文化，还在世界各地都带来了一波强烈的文化输出。
20世纪七八十年代的香港
但一个时代总有一个时代的声音。
过去总是美的，但眼前才是真实的，不能总是以旧的逻辑看待新事物。
懒人好魏晋，陶渊明却好桃花源；士人好孔孟，孔子却好三皇五帝，归根结底都是叶公好龙。
每个人可能都活在别人的黄金时代里。
我们也会铭记那个群星璀璨的时代。
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