纯艺术和设计艺术的关系如何（三分钟知道抽象艺术与设计的关系）

抽象艺术与具象艺术相对，也被称为非具象艺术。它的特征是脱离现实中的影子，以此打破传统艺术对绘画形式束缚。如果说传统艺术的创作初衷是为了叙事，那么抽象艺术则是用色彩和造型表达艺术家的情绪。

提起抽象艺术，人们习惯于将它归类于某种风格流派，视作一种新的艺术形式。但对于艺术史不了解，抽象概念不清晰的人们而言，即使看过莫奈、毕加索这些抽象派大师的作品，面对抽象艺术也依旧不知从何欣赏。与其长篇大论分析艺术史，不如阐述设计史更容易理解。

文艺复兴之后，艺术家们热衷于从事纯艺术的创作（雕塑、绘画等大艺术），并视那些从事手工艺品的工匠们（小艺术）为头脑发达的简单劳动者，认为工匠只是依照艺术家给定的素材以商品为媒介复制。很长一段时间，这种鄙视关系造成了没有艺术家愿意屈尊从事手工艺的现象。期间虽也有伍德这样著名的陶艺大师努力挣扎，但仍无法打破艺术界对工匠的偏见。

直到1851年水晶宫世界博览会，东道主英国为了宣扬国力，展示工业革命成果。由来已久的设计问题才终于被艺术评论家们不留情面的指出了。会中所示展品大到机械，小到陈设，全都效仿巴洛克式宫廷艺术，奢华繁复，价格昂贵，毫无美感。为此拉斯金等人提出要重视设计振兴手工艺，提倡大小艺术结合。于是，1851年世博会为导火索，既激起了人们对艺术未来的思考，也促使了设计从艺术学中独立成单独学科的教育变革。换言之，工业革命机械化生产带来便捷的同时，也带来了设计危机，用传统艺术中宗教神话那般程式做产品设计是行不通的。海量的工业产品对艺术装饰的现实需求，促使艺术必须向新的历史阶段迈进。

19世纪末，以莫奈为首的画家们为了摆脱传统，寻找新的创作灵感，走出画室，面向生活，亲近自然。认真观察沐浴在光线中的自然景色,把握色彩的冷暖变化和协调关系,看似随意无序实则准确概括了对象,把变幻的光效记录在画布上。这种超现实的表达方式在面世之初虽受到舆论嘲讽，但对艺术设计革命和现代色彩理论有着深刻的影响。

无论是印象派、立体主义、还是表现主义等艺术流派，均属半抽象，或多或少会有现实的影子，比如肖像，虽在配色、比例、透视、造型等方面对视觉主体进行了超现实表达，但画面内的构成元素仍取自现实。

真正意义上的第一张抽象画出自康定斯基之手，作为音乐画家的鼻祖，他从音乐中获取灵感，用纯粹的点线面作画，营造和谐律动的美感。对他而言，绘画与音乐是一致的，只不过是让人学会抛弃耳朵用眼睛去感受律动的音符，用色块去体会艺术家的情绪。20世纪初，康定斯基接受格罗皮乌斯的邀请去德国包豪斯学院任教，他的造型理论对设计学教育体系的建构起到了不可磨灭的作用。

设计不是纯艺术，除了满足审美方面的艺术需求，也要考虑质量、安全、尺度等功能需求。抽象艺术的兴起，完美的解决了工业设计对艺术方面的造型问题。抽象艺术独有的创造性给批量生产注入了强大的生命力，直至今日，随着理论体系完善和信息技术普及，开始向参数化迈进。计算机逐步替代手工绘图生成各种极具视觉表现力的工业产品。可以说，抽象艺术诞生之初，等同于实用艺术。抽象画在设计师眼中就是生动的图纸。

随着时代发展，抽象艺术的表达方式更加自由。画布除了纸，亦可在木材、金属、墙壁等材质面板表现。除了笔绘，亦有烧、吹、拉、剪、贴等方式，推动艺术与设计的发展迈向新阶段。